Fall of Reach：小型工作室打造史詩科幻指南 — BCON26（第 3/4 段）

🧑‍🏫 這段是 Blender 大會 BCON26 的分享。講者用小團隊的資源做 Halo 粉絲科幻長片《Fall of Reach》，示範一路從找配音、排鏡頭、決定動畫風格、做太空與星球，到用 Blender 自製飛彈和護盾工具的過程。想用有限的人力和預算做大場面的人，可以從這裡看到很多省時間的實際取捨。

• 24:11 徵選配音員時，收到的回應可以拿來排名和投票，講者覺得這個做法很有用。
  ↳ 開放試音會收到很多檔案。與其憑印象挑，不如團隊一起打分、排名、投票，結果比較客觀。講者實際這樣做過，覺得很好用。
• 24:11 要讓配音員容易發揮：提供 character brief、script cutdown、角色是誰的資訊，以及該場景的參考 animatic。
  ↳ 別只丟一句台詞給配音員。要給 character brief（角色介紹）、script cutdown（相關劇本節錄），再附 animatic（分鏡配上聲音、照時間串成的粗剪影片），讓對方看懂情境。
• 24:11 很多配音員說講者給的資料比工作室還多。他們試音時常常一無所知，不知道自己在對什麼反應，很像在綠幕前演戲。
  ↳ 業界試音常常只給幾行字，配音員不知道對手是誰、發生什麼事，只能憑空演，就像對著綠幕想像怪獸。資料給足，對方就不用瞎猜。
• 24:43 Animatic 對自己有用，對配音員等合作夥伴也有用。對方能把自己放進場景裡，成果會好很多。
  ↳ Animatic 不只幫你抓節奏。配音員看了會知道畫面長怎樣、氣氛有多緊張，比較能「進到場景裡」去演，表演也會更貼。
• 24:43 Directed session 也一樣：能直接和配音員一起讀台詞，成果會更好，也能讓專案走得更遠。
  ↳ Directed session 是導演直接陪配音員讀台詞，當場說要什麼感覺、請他再來一次。效果比寄台詞讓對方自己錄好很多，專案也能做得更遠。
• 24:43 Storyboard 和 animatic V1 可以產出 shot list 與 shot blocking。目標是盡快推進到這個階段。
  ↳ 從 storyboard（分鏡圖）和第一版 animatic，就能整理出 shot list（鏡頭清單）和 shot blocking（每顆鏡頭裡角色與攝影機的大致站位和走位）。越早走到這步越好。
• 25:13 Animatic 鎖定後，導演的構想大致已經轉譯完成，節奏也確定了，接下來就能全速進入製作。
  ↳ Animatic 定稿，代表導演腦中的畫面已經變成大家都看得到的版本，每顆鏡頭多長也確定了。之後照著做就好，不用邊做邊改方向。
• 25:13 鏡頭追蹤用 Excel 就好。編號以 10 為間隔，之後插入新鏡頭才不會打亂順序。
  ↳ 追蹤鏡頭不需要專門軟體，用 Excel 就夠。鏡頭編成 10、20、30，之後要在中間插一顆就叫 15，不必整串重新編號。
• 25:13 刪掉的鏡頭不用重新編號，繼續往下排，並標註已刪除即可。
  ↳ 某顆鏡頭刪掉了，就在表上標「已刪除」。其他鏡頭的號碼不動，新鏡頭繼續往後編。這樣大家說「40 號」時，永遠指的是同一顆。
• 25:13 進入 Blender 階段的重點是把問題都理順：先測試製作流程，確認要怎麼做出前一階段決定的內容。
  ↳ 進入 Blender（免費 3D 軟體）階段，先不急著做正片。先做小測試，確認前面定下的每個畫面要用什麼方法做得出來，把會卡關的地方先找出來。
• 25:44 要小心掉進「超寫實陷阱」，那樣可能浪費很多時間，對專案也不一定最好。
  ↳ 「超寫實陷阱」是指一直想把畫面做到跟真的一樣。細節是無底洞，時間會被燒光，觀眾卻不一定因此更買單，對整個專案反而不划算。
• 25:44 Calvin 說，走超寫實只能做一支 10 分鐘的入侵題材。講者想做 2 小時的入侵故事，所以必須取捨，找到合適的動畫風格。
  ↳ 資源是固定的：要寫實就只能做短片，要做長片就得簡化。講者要做的是兩小時的故事，所以必須選一種省力又好看的動畫風格。
• 25:44 動畫風格是一條光譜：一端是流暢的全 mocap，一端是像漫畫那樣角色站著不動的靜態，也可以落在兩者之間。
  ↳ Mocap（動作捕捉）是錄下真人動作再套到角色上，動作最流暢。光譜另一端是像漫畫那樣的靜止畫面。兩者之間還有很多程度可以選。
• 26:14 Calvin 幫忙做了對白測試，示範流暢的 Mixamo 角色和 pose to pose 的做法。很多專案會把這種測試放進 animatic。
  ↳ Mixamo 是 Adobe 的線上現成動作庫，能快速套上流暢動作。Pose to pose 則是只擺幾個關鍵姿勢、中間少做過渡。Calvin 兩種各做一版對白測試來比較。
• 26:44 團隊決定停在 pose to pose，把它當成自己的藝術風格並全力採用，因為能省下大量時間。
  ↳ 團隊把 pose to pose 定成正式風格。這不是「做不到才省略」，而是刻意選擇、全片統一使用，因此省下大量製作時間。
• 26:44 為了確認 pose to pose 做動作戲是否仍有張力，講者用這種風格重現了《Saving Private Ryan》的幾個鏡頭。
  ↳ 對白戲動作少一點沒關係，但戰爭戲需要衝擊感。講者就拿《搶救雷恩大兵》的幾個鏡頭，用 pose to pose 重做一次，看緊張感還在不在。
• 27:27 測試結論：不必全 mocap 也能成立，人腦會自己補完。只要刻意採用，它就是藝術風格，還能省下大量時間與金錢。
  ↳ 測試發現，動作不需要每一格都流暢，觀眾的大腦會自己補上姿勢之間的動作。只要是有意識的選擇，它就是風格，不是偷工減料。
• 28:00 團隊整理出許多規則：什麼時候用流暢動畫、什麼時候多用或少用 keyframe。細節留給觀眾之後自行查看。
  ↳ Keyframe（關鍵影格）是在某個時間點設定好姿勢，讓軟體算出中間的動作。團隊訂了規則：什麼時候用流暢動畫、什麼時候多放或少放關鍵影格。
• 28:00 講者的核心原則之一是寫實的太空戰鬥，涉及尺度、移動、物理、武器射程等規則，都需要測試能否實現。
  ↳ 講者要求太空戰照物理規則走：船有多大、怎麼移動、慣性、武器能打多遠都要合理。光寫在設定裡不夠，要實際測試 Blender 做不做得出來。
• 28:30 太空要感覺很大、載具要感覺很快，團隊為此測試了幾種方法。
  ↳ 太空的難處是沒有參照物，很難讓人感覺到距離和速度。團隊想讓觀眾覺得空間很巨大、船飛得很快，所以試了幾種做法。
• 28:30 第一種是 tube 方法：讓星空在管狀物中飛過。看起來確實很快，但只適用單一方向，鏡頭轉向效果就破功，而且偏卡通。
  ↳ 第一種是把星星貼在管子內側，讓它往後流動。速度感很強，但只能朝一個方向飛，鏡頭一轉就穿幫，看起來也比較卡通。
• 29:04 改良後採用 sphere within sphere：在不同距離的外層球體放不同層次的星星，攝影機和資產就能自由移動。
  ↳ 改良版是一層層套在一起的大球，每一層貼上不同遠近的星星。不管攝影機朝哪個方向、船怎麼開，四周都有星空，不再受方向限制。
• 29:04 因為有 parallax，攝影機快速甩動時星星會出現細微模糊，和 The Expanse 團隊的做法很吻合，也成功營造出船艦的尺度感。
  ↳ Parallax（視差）是近的東西看起來動得快、遠的動得慢，就像坐車看窗外。多層星空會產生視差，鏡頭快甩時星星微微拖影，做法和影集《The Expanse》吻合，船也顯得巨大。
• 29:41 飛船因為距離很遠而看不到，會突然出現，這是運用真實太空特性的技巧。
  ↳ 真實太空裡距離極遠，船小到看不見，要靠近了才會冒出來。團隊利用這個特性讓船「突然出現」，既合理又有壓迫感。
• 29:41 Blender 課常教的 fog plane 在太空場景也適用，可以低調地做出星雲與氣體雲。
  ↳ Fog plane 是放一片帶霧效果的平面來做出朦朧感，是 Blender 教學裡常見的技巧。在太空場景淡淡加一層，就能做出星雲和氣體雲。
• 29:41 三點打光對太空船同樣重要，甚至更重要，能讓畫面更真實。
  ↳ Three-point lighting（三點打光）是用主光、補光、背光三個方向照亮主體，讓它有立體感。太空一片黑，更需要這樣打光，船才不會糊成一團。
• 30:14 光源可以來自主恆星、衛星、背光等，模型上再加一點重點光。
  ↳ 太空裡的光要有合理來源：主光可以是恆星，也可以來自衛星，背光負責勾出輪廓。最後在模型上加一點重點光來強調。
• 30:14 專案需要大量行星，還有很多遭受攻擊的行星，所以測試了多種做行星的方法。
  ↳ 故事裡有很多星球，不少還正在遭受攻擊。星球會反覆出現又要好看，所以團隊先比較了幾種做星球的方法。
• 30:14 方法一是 matte painting，由曾參與 Halo 官方影集的 Ian McNair 協助製作（本作是粉絲專案）。
  ↳ Matte painting 是畫一張精緻的圖來當背景，電影很常用。這次由參與過 Halo 官方影集的 Ian McNair 協助。本片是粉絲自製作品，不是官方出品。
• 30:14 Matte painting 效果可能最好、最好做美術指導。缺點是平面無法常換鏡頭角度，改時段等條件就得重畫。
  ↳ 手繪背景可能最好看，美感也最好控制。但它是一張平面圖，攝影機不能繞著它轉；想改成晚上或其他條件，就得重畫一張。
• 30:45 其他選擇是 3D 模型，或越來越多人用的 HDRI 模型，內含光照與高動態範圍。
  ↳ 另一條路是做 3D 星球模型，或用越來越多人採用的 HDRI（高動態範圍影像，亮部和暗部的資訊都很完整，常拿來當環境光源）。光照已經包含在裡面。
• 30:45 素材來源：ProductionCrate 可以輕鬆取得大量資產；Shiny-Man 等人提供免費或低價的 16K 解析度行星。
  ↳ ProductionCrate 是素材網站，可以輕鬆拿到大量素材。Shiny-Man 等創作者提供免費或便宜的 16K 超高解析度行星素材，對小團隊很實用。
• 30:45 毀滅場面測試：背景是 matte painting，上面疊加合成，讓觀眾有身歷其境的感覺。
  ↳ 星球毀滅鏡頭的做法：背景用手繪星球，上面再疊爆炸等圖層。Compositing（合成）就是把多層素材疊成同一個畫面，讓觀眾覺得身在現場。
• 31:20 船艦在 Blender 中製作以確保光線正確，再和其他元素分層合成，讓畫面看起來、感覺起來都對。
  ↳ 船在 Blender 裡用 3D 做，光線才會正確。之後把船、背景、特效分層處理，再一層層疊起來，讓整個畫面看起來、感覺起來都對。
• 31:20 從 Martin 的課程學到：合成的東西容易顯得扁平，要額外下功夫才有立體感。
  ↳ 從 Martin 的課程學到：分層疊出來的畫面很容易像貼紙，沒有前後深度，必須刻意多做一些處理，畫面才有立體感。
• 31:20 要給人眼可以抓住的參照。講者用「重複」的做法：前景放一艘近船，背景放一艘很淡的同款船，觀眾就會感覺場景巨大。
  ↳ 人眼靠已知大小的東西判斷距離。前景放一艘近船，背景放一艘同款但很淡的船，觀眾知道兩艘一樣大，就會覺得後面那艘很遠、空間很大。
• 31:53 漂浮殘骸也用同樣手法，近處和遠處放相同的殘骸，藉此騙過人眼，讓畫面更自然。
  ↳ 漂浮殘骸也用同一招：近處和遠處放相同的碎片。眼睛會自動把它們解讀成遠近不同，畫面就更自然、更有深度。
• 31:53 場景設計強調硬科幻與實際可用的環境，讓太空站不只像真的，還能在無重力下運作。
  ↳ Hard sci-fi（硬科幻）是重視科學合理性的科幻。場景不只要看起來像真的，還要想清楚在 zero-g（無重力）環境下，人實際上要怎麼在裡面活動。
• 31:53 在這個環境裡可以走在天花板上，柱子幫助上下移動，靈感來自硬科幻和 NASA。
  ↳ 無重力沒有上下之分，所以天花板也能走，柱子則讓人抓著在上下之間移動。這些點子的靈感來自硬科幻作品和 NASA。
• 32:26 場景由 Martin 設計。有磁力靴就能踩著面板移動，空間在兩個軸向上都能使用，這是講者硬科幻構想的一部分。
  ↳ 這個場景由 Martin 設計。人穿磁力靴吸在面板上行走，兩個軸向的面都能使用，這也是講者硬科幻構想的一部分。
• 32:26 故事和視覺方向確定後，下一步是打造工具，讓製作更快、更有效率地達到目標。
  ↳ 故事和畫面方向確定後，下一步不是硬做，而是先打造工具，讓重複性的工作自動化，更快達到想要的效果。
• 33:01 太空戰很多，需要不必手動擺放一切的工具。Houdini 對團隊來說可能太貴，也超出專業範圍。
  ↳ 太空戰裡滿天都是飛彈，一顆顆手動擺放不可能。Houdini 是專業特效軟體，擅長這類自動生成的特效，但對這個團隊來說可能太貴，也超出專業範圍。
• 33:01 團隊找來網名 Butterbug 的 Mason（做過 Helldivers 的 CGI 短片 Straight to Hell），他為團隊打造了飛彈用的 Geometry Node 系統。
  ↳ Geometry Node（幾何節點）是 Blender 內建、用節點連線來自動產生和變化物件的功能。網名 Butterbug、做過 Helldivers 短片的 Mason，用它做了飛彈系統。
• 33:01 飛彈工具功能：生成飛彈、設定目標、美術指導飛彈外觀。飛彈會追擊並試圖命中目標，爆炸時會觸發一連串效果。
  ↳ 設好目標後，工具會自動生成飛彈，飛彈會追著目標試圖命中；外觀也能調整成符合美術方向。爆炸時還會連帶觸發一串效果。
• 33:31 Mason 會推出深入講解的影片，也即將公開這個工具。
  ↳ 系統的細節 Mason 會另外出影片深入講解，工具本身也即將公開。有興趣的人可以等他發布。
• 33:31 系統結構第一段是 targeting，負責設定 proxy、點等，為後續流程做準備。
  ↳ 第一段是 targeting（瞄準），負責前置準備：設定 proxy（代表物件的簡化替身）和各種點，讓後續流程知道要處理哪些東西。
• 33:31 第二段把 targeting 和設定從數學轉成場景中的物理，並協助在 XYZ 座標中作業。
  ↳ 第二段把前面的設定從純數字，轉成場景裡真正有位置、會動的東西，並處理 XYZ 三個軸的座標，讓飛彈在立體空間中正確移動。
• 34:02 設好發射點與目標點後，會模擬所有點從 A 移動到 B，即時檢查位置並追蹤目標，這裡有大量模擬運算。
  ↳ 每顆飛彈一開始只是一個點。系統逐格計算它從發射點 A 飛到目標 B，每一格都重新確認目標在哪、調整方向，所以這裡有大量模擬運算。
• 35:00 模擬部分很輕量，只追蹤單一點。之後的算繪階段才在點上生成飛彈、煙霧、爆炸等內容。
  ↳ 模擬時每顆飛彈只追蹤一個點，所以很輕。要到算繪（把場景計算成最終畫面）時，才在點上放出飛彈模型、煙霧和爆炸。
• 35:00 優化手法之一：爆炸不是 VDB，而是永遠朝向攝影機的小圖片卡。
  ↳ VDB 是存放煙霧、火焰這類立體特效的格式，很吃運算。團隊改用永遠正對鏡頭的小圖片，看起來像立體爆炸，卻省下非常多運算。
• 35:00 系統裡有 frustum culling，只算繪攝影機看得到的部分。
  ↳ Frustum culling 是指攝影機拍不到的地方就不去算。只處理鏡頭框內的東西，框外的直接省略，可以大幅節省算圖時間。
• 35:34 Mason 再把飛彈工具和護盾工具結合：從船艦 mesh 偏移出 shield mesh。
  ↳ Mason 也做了護盾工具，並和飛彈系統串在一起。做法是把船的 mesh（3D 網格模型）往外推出一圈，變成包住整艘船的護盾外殼。
• 35:34 Shield mesh 基本上不可見，可以在上面 weight paint 出飛彈造成的護盾效果。
  ↳ 護盾外殼平常是看不見的。Weight paint 是在模型表面刷上數值的濃淡，這裡用來標出飛彈打中時護盾要在哪裡顯現。
• 35:34 再建立一個 targeting mesh 決定瞄準範圍，例如船艦的一半，或縮小到只瞄準船頭。
  ↳ 再做一個瞄準用的網格，限定飛彈能打哪裡：可以是船的半邊，也可以縮小到只打船頭，方便控制畫面效果。
• 36:05 護盾工具會和飛彈系統溝通：飛彈撞上護盾時生成一個點，再用這個撞擊點加上漣漪效果。
  ↳ 飛彈撞到護盾時，系統會在撞擊處產生一個點。護盾工具以這個點為中心做出漣漪擴散，看起來就像能量盾被打中。

講者用 Excel 管理鏡頭時，建議鏡頭編號怎麼排，之後插入新鏡頭才不會打亂順序？